David Hammons est un artiste américain dont la renommée s'est forgée à travers ses œuvres emblématiques réalisées à New York et Los Angeles durant les années 1970 et 1980.
Né en 1943 à Springfield, dans l'Illinois, il fut le benjamin d'une famille de dix enfants élevée par une mère célibataire. Son parcours artistique prend véritablement son envol en 1962 lorsqu'il s'installe à Los Angeles, fréquentant le Chouinard Art Institute (aujourd'hui CalArts) entre 1966 et 1968, puis l'Otis Art Institute de 1968 à 1972. Dans ce creuset créatif, il fut marqué par des figures internationales telles que Bruce Nauman, John Baldessari et Chris Burden, tout en s'inscrivant dans un mouvement pionnier d'artistes afro-américains et de musiciens de jazz locaux dont l'influence rayonnait bien au-delà de la Californie. En 1974, Hammons s'établit à New York, ville où sa notoriété nationale va s'épanouir progressivement. Il y réside et y travaille encore aujourd'hui.
Une grande partie de sa production est le reflet vibrant de son engagement envers les mouvements des droits civiques et du Black Power. L'œuvre précoce Spade with Chains (1973) en est une illustration magistrale : l'artiste y utilise un terme provocateur et dérogatoire, associé à l'instrument de jardinage littéral, pour créer un jeu de mots visuel entre la lame d'une bêche et un masque africain, tout en formulant une critique contemporaine sur les thèmes de l'asservissement et de la résistance. Cette pièce s'inscrivait dans une série plus vaste d'œuvres autour du motif de la « bêche » dans les années 1970, incluant Bird (1973), où l'esprit de Charlie Parker est évoqué par une bêche émergeant d'un saxophone, ou encore Spade, une gravure de 1974 où l'artiste a pressé son visage contre la forme, laissant une empreinte caricaturale aux traits négroïdes.
En 1980, Hammons participe à l'exposition révolutionnaire du collectif Colab, The Times Square Show, qui servit de forum d'échange pour une nouvelle génération d'artistes alternatifs new-yorkais. Son installation était composée de fragments de verre scintillants, issus de bouteilles brisées de vin Night Train.
D'autres de ses œuvres exploreent les liens symboliques entre le basketball et la jeunesse noire : des dessins réalisés en faisant rebondir de manière répétée un ballon sale sur de vastes feuilles de papier blanc immaculé posées au sol ; une série de paniers de basketball monumentaux, méticuleusement décorés de capsules de bouteilles évoquant les mosaïtes et motifs islamiques ; ou encore Higher Goals (1986), où un panier, un filet et un panneau ordinaires sont surélevés sur un mât de trois étages, offrant une réflexion poignante sur les aspirations presque impossibles à la gloire sportive comme moyen d'échapper au ghetto.
Par la diversité de ses médiums et ses changements de direction fréquents, Hammons a réussi l'exploit d'éviter tout style visuel signature. Si son travail entretient des dialogues et partage des préoccupations avec le minimalisme et l'art post-minimaliste, il y injecte des références duchampiennes sur la place de la communauté noire dans la société américaine.
Évoquant les œuvres de James Turrell sur la perception de la lumière, Hammons confia : « J'aimerais pouvoir faire de l'art de ce genre, mais nous sommes trop opprimés pour que je puisse m'aventurer là-dedans... J'adorerais le faire car cela pourrait aussi être très "noir". Vous savez, en tant qu'artiste noir, ne traiter que de la lumière. Les gens diraient : "Comment diable peut-il s'en occuper, venant d'où il vient ?" Je veux y arriver, j'essaie d'y arriver, mais je ne suis pas encore assez libre. Je sens que je dois encore faire passer mon message."
Parallèlement à ses thématiques culturelles, l'œuvre de Hammons interroge les notions d'espaces publics et privés, ainsi que la définition même de la valeur marchande. L'œuvre Bliz-aard Ball Sale (1983) illustre parfaitement ce concept : dans cette performance, Hammons se met en scène aux côtés des vendeurs de rue du centre de Manhattan pour vendre des boules de neige dont le prix varie selon la taille. Cet acte agit à la fois comme une parodie de l'échange marchand et un commentaire sur la nature capitaliste de l'art entretenue par les galeries. De plus, il place la "blancheur" sous un prisme satirique, ridiculisant le luxe superficiel des classifications raciales tout en critiquant la dure réalité sociale du commerce de rue subie par ceux qui sont victimes de discriminations raciales ou de classe.
L'utilisation par l'artiste de matériaux rejetés ou abjects est également remarquable, incluant notamment de l'excrément d'éléphant, des morceaux de poulet, des mèches de cheveux afro-américains ou des bouteilles de vin bon marché. Si de nombreux critiques y voient une évocation du désespoir de la classe urbaine noire et pauvre, Hammons aurait perçu une sorte de puissance sacrée ou rituelle dans ces matériaux, justifiant leur usage extensif.
Dans The Window: Rented Earth: David Hammons, une exposition personnelle précoce au New Museum, l'artiste a traité la relation diamétralement opposée entre spiritualité et technologie en juxtaposant un masque tribal africain à une invention moderne : un téléviseur jouet pour enfant.
Hammons a également exploré le médium vidéo, collaborant avec l'artiste Alex Harsley sur plusieurs œuvres, dont Phat Free (initialement intitulé Kick the Bucket), présentée à la Biennale du Whitney et dans d'autres lieux. Hammons et Harsley ont également collaboré sur des installations à la 4th Street Photo Gallery de New York, un espace d'exposition et de projet emblématique de l'East Village.

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